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业小浪

小小的世界、大大的幸福

 
 
 

日志

 
 

做一场“原研哉式”的设计梦(视觉中国对话设计大师原研哉)  

2011-06-12 23:00:24|  分类: 设计师之家 |  标签: |举报 |字号 订阅

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         原研哉,提到这个名字,我想大部分中国设计师都是怀着敬畏的心情去仰视,并豪不吝啬将各种溢美之词用于他的设计。的确,看原研哉的作品,有序、精致、严肃而从容,你能从中感受到他的思考,好像一个时间罗盘,一圈一圈的将观者带回到一个最本原的世界,发现原始之美。看原研哉的书,那些随处可见的启发、蒙示、思省和反刍每每都给人以醍醐灌顶般的酣然。

         在原研哉个展即将开幕之际,视觉中国有幸在第一时间拜访了这位无数人心中的大师——原研哉,以及将原研哉的设计带入中国的功臣——朱锷。

         朱锷与原研哉,这是一个找到彼此的组合。一个设计师与另一个设计师在日本相遇,一个浪漫主义者认出了另一个浪漫主义者,于是在中国的舞台,开始上演着关于“原研哉”的来龙去脉。

         10:30,原研哉准时出现在我们眼前,一如既往的一袭黑衣示人,李?埃德尔库特曾这样形容原研哉:“他穿着神甫般黑色、简洁而剪裁绝佳的衣服,行为举止如同一剂镇静剂。”但我只能说他只说对了前半句,在与原研哉交谈的短短2个小时里,我们惊讶的发现这枚镇定剂也有疯狂的时候,甚至是失效的时候。

         原研哉是一个经典的人,或者说他绝对不是一个前卫的人;有品位,这点毋庸置疑;在设计风格上有着严格的洁癖,这从他总是偏爱使用材料的原色便可看出端倪。你或许早已熟知这些。但你可能永远想象不到原研哉的夫人是日本宝冢歌舞团的狂热粉丝,这个剧团的表演风格以华丽的视觉效果闻名,所以你可以想象到他的太太和他的气场是何等反差,一半海水一半火焰的生活被原研哉笑称“是一种修行”。你或许也想象不到为了筹备一个完美的展览,原研哉对展品的摆放严苛到了0.1毫米的精准,任何一个误差都将导致一切重新摆放。

         其实最初,我们是为了了解原研哉的设计而坐到一起,但最后又不仅仅只谈了“设计”。读下去,你或许可以找到几个问题的答案:原研哉年轻时候的作品是什么样子的?原研哉失败过吗?他为何只穿黑衣?又或者,严谨不苟的原研哉难道就没疯狂过吗……

 

【PART 1】个人最大规模个展,一段思维的脉络之路

   
视觉中国:听说这次展览筹备有3年之久,为什么选择这个时间来到中国做展览?和我们聊聊这次中国展筹备的过程。

原研哉:在准备这次2011个人展的过程中,我自己也考虑了很多非常深的东西,与其在这个期间展示自己的东西,我觉得应该更展示设计本身,或者文化本质的东西。在这些文化本质的内涵当中,人类会跨越国界,让彼此的感觉达到通汇。我深感中国在近年经济发展的速度非常之快,尤其在文化领域同国外衔接非常紧密,这个过程也是中国将自己独有的悠久文化跟现代的文化衔接起来的过程,尤其是我们今天说的设计这个领域。作为一名日本的设计师,对于如何深入地理解中国的文化特色、文化元素、文化本质,然后把这些展现在自己接下来的设计当中,我自己怀抱着非常浓厚的兴趣。

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视觉中国:这一次的展览是以什么形式呈现的?在考量中有哪些重点?跟我们分享一下这次展览中的创新、有趣的点?

原研哉:如果说新意的话,请恕我直言,我没有做过这么大规模的个人展览,在日本做这个行业很长时间了,各个方面都给予自己非常大的支持,因此都是相对比较小规模的展览。这次在北京做这么大展览,如何在大规模的展览中把自己的设计融汇进去,让观看的人或者对设计感兴趣的人能够理解自己的设计,这是我在展览前很长时间的准备过程当中考虑的重点。

    另外在这次大规模的展览当中,我也第一次把无印良品的设计汇总在一起,做一个个展,这是第一次。如果各位有机会的话可以到下面去看一下这次的“展览会的展览会”,这个部分是我此前做的五次相对比较大规模的展览,把它融汇在一起进行展示,在这个基础上也加入了很多新的东西,包括自己很多新的创想,也希望各位有机会可以去看一下。

    此外对于这次的大规模个展,我还考虑了很多,因为是在中国北京举行,我也考虑了中国很多的元素,接下来我也可能会参与到中国很多的设计项目当中,发挥自己的微薄之力,当然这些想法还正在考虑过程当中,还有不完善的地方,这次也是把其中的一小部分展示出来。


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B1-无印良品的艺术指导

  
视觉中国:这次展览分了三个主题,您怎么考虑这三个部分的?在观众观看逐层展览的过程中,你希望他们受到什么启发?

原研哉:下面我将每部分简单说明一下,第一个主题“设计的诸相”在二层,这个单元特别展示了我年轻时候的设计,我跨入这个行业初期的作品都在这个部分展示。虽然我被大家称为平面设计师,但是正如各位所知,我并非是单纯针对“物”,而是针对“事”,以“事”作为我设计的原点进行设计工作,在这个当中会融入很多东西,比如个人意识,还有像国家规模的一些大型活动。我感觉设计工作本身已经跨越了具体的物、事单纯的局限范围,更加广义,我也希望在这个单元当中,把所有设计或者平面设计内涵的东西展示给观众看。

    在地下展示的“无印良品艺术指导”单元,这个单元并非介绍无印良品的品牌,而是通过无印良品的理念,展示整个日本美意识的内涵。因为多年来我从事无印良品设计的过程中,充分融入了日本美意识的理念,因此我想来观摩的观众能够通过无印良品的这些设计而深刻感觉到日本的深层的文化、美的观念和理念。像各位所知道的,无印良品已经成为一个非常知名的品牌,在这次的这个单元里,我并没有具体展示无印良品的某个产品,而是想展现这个产品背后我的创想和一些新的思路,通过这些脉络去展示一个品牌最终成为人们所了解的现实的东西之前的故事,也能够让观众从中理解无印良品成为今天一个知名品牌所走过的一段思维的脉络之路。

    还有一点我在这里不得不提一下,就是在“展览会的展览会”这一单元中,有一部分主要是想展现一下目前在社会上已经既有的产品和设计,通过这些现有的设计来展示一些思维的脉络,让观看的人包括从业人员能够引起新的创想,可以说是有一定的前瞻性。另外我也想提一下,在这个单元当中我所展示的并非是原研哉个人的创想和思路,而是我集中了世界上很多很多新的顶尖的想法和思路,我把他们集中在一起,然后将精髓抽取出来在这个单元进行展示。也想借此激发观众、同业以及设计业界更新的思路出来,希望在这个单元,大家能够着重观看并且给予更多的意见和建议。

 

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采访现场

 

【PART 2】 所有的身份都是为了传播文化和激发创想 


视觉中国:原研哉的名字在设计界是非常崇高的,因为您不光是在做展览,更多是在传播设计的意识、构建设计理念、启发大家来做更多的思考和反刍。您怎么看待自己的多重身份?您觉得自己对设计界肩负着某些责任和使命么?

原研哉:虽然我有很多身份,但所有身份实际做的只有一件事,就是传播美的意识。通过自己的设计去影响和激发更多新的创作理念,或者说让别人去觉醒,这是我一直以来所尊崇的一份职业道德和职业操守。我一直以来比较主张自我文化的宣传和发扬,日本有自己的日本文化,中国有中国的文化,强化自己的文化意识,在整个设计过程中起了非常关键的作用。

    另外我还一直在想关乎未来的一些事情,这里所说的“未来”并非我们接下来四、五年后短期的未来,而是五十年以后,这个世界和我们社会会向什么方向发展?中国有上下五千年悠久的历史,这五千年也是一天一天走到今天的,今天何尝不是一个过程,历史时刻在延续。在这个漫长的历史当中,整个文化发展到今天是一步一步积累起来的,我们能为接下来的五十年或者更长的历史做些什么?我本人在这个领域里面又会激发后人什么样的创想?这是我一直以来所思考的自己作为设计师的责任。

 

视觉中国:如您所说,您的作品让我们了解到很多日本民族文化的东西,譬如说您将“白色”、“纸”这样的设计元素运用到极致,请问您对这种素材有一种怎样的感情,您在使用他们的时候会有怎样的考量?

原研哉:在这里可能有一个小的误解,我并不是说讨厌一些鲜艳的颜色,或者仅是单纯的喜欢白色,我是非常注重材料本身的原有的颜色——天然的颜色。让我认为没有必要使用颜色时都尽量不使用颜色。比方说在下面正在展览的很多设计本身就是无色或者白色的,当然我们把它用做不同的用途中时会把它染成各种各样的颜色,但我总觉得天然的颜色是最好的。的确,可以说是个偶然,在之前所有的设计作品当中,白色的作品相对多一些,给所有的爱好者或者观众留下了一个原研哉比较喜欢白色的印象。其实现在在东京我的一个展览就是五光十色,采用各种各样的颜色,因此我觉得,颜色本身并不是我在设计工作当中自己独创或者自己特有的一种坚持,并不是这个意思。

 

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B2-展览会的展览会

 

视觉中国:在您的著作中我们看到了很多重新审视设计的举动,比如说坂茂的方形卫生纸的设计就隐隐透出批评的味道,人们抽纸的时候有阻力,于是被提醒要环保,节省用纸。我想问一下在这次展览中,我们也会看到相关的内容吗?还有您能不能给我们多聊一下批判的设计?

原研哉:刚才您提到的这个例子我简单说明一下,这个作品实际上是日本有一次展览当中的一位设计师提供的方案,方型的设计有很多优点,在搬运的过程中非常方便,但是对于卫生纸来说大家都比较习惯圆型的设计,圆型的设计在生产方面是非常方便的。如何把方型跟圆型融合在一起?于是我做了一个创想,把方放在圆中,也起到了一定的阻力,同时有节省资源的作用和功效。整个事件也给我自己新的启发,换句话说,不是新的设计去替换旧的设计,或者新的设计就比原有设计好,而是在整个的展览当中,把原有的设计跟新的设计同时提供给我们的观众,让他感觉到事物是怎样发展的脉络、改变的脉络,从中去发现更多有趣、有吸引力的东西。

      另外在这里我也想给各位提出一个问题,实际上方型的东西在整个的社会当中或者说整个的人类发展过程当中是贯穿始终的,最开始人们认为我们的大地就是方型,日常生活中我们的房子、大楼也是四方形的,我们在走进大厦的时候入口是四方形的,电梯是四方形的,桌子是四方形的,电脑是四方型的,键盘也是四方型的,我们写字时候用四方型的纸,写完信用四方型的信封装起来,为什么我们这么喜欢四方形的东西?但是大自然中四方形的东西却非常少,有六棱的,有三角形的,还有其他的各种各样的形状,为什么人类这么偏爱四方形的东西,我也想反过来问在座各位一个问题,为什么我们会那么喜欢四方形的东西?

视觉中国:或许这是一种习惯吧,是一种惯性思维在作祟。

原研哉:我个人认为,人类比较偏爱四方形可能是由于人类自身的身体结构,我们有双眼,双眼是平的,我们有两只手和两条腿,在使用四方形的时候相对方便一些,这是我个人的想法。比如说芭蕉叶,我们把它折几折之后很自然就成了一个直角,再折几折很自然就成了一个方型,可能人类在最早使用一些器物或者工具的时候,不自觉地就把东西变成了四方形,也许是因为这个原因吧。但是我相对比较喜欢圆型,像盘子、杯子,有一些设备的圆孔都是圆形的。我之所以喜欢圆形的西,可能跟人类发展历程有关系,大家也知道,圆形的东西在最开始产生的时候不是通过圆周计算、数学理论得到的,而是在石器时代有一种像面包圈一样的石器,人们通过不断旋转取得自己希望得到的新工具,所以圆形的东西是最开始通过人类使用工具所产生出来的。


       人类是通过不断地改变环境、改变自己生存的空间得以生存和发展到今天,而设计本身也是通过自己的创想改变环境。从这个意义上讲,设计跟整个人类发展有某种相关联的部分,或者这也就是设计最开始的起源,因此我非常喜欢圆形。我也想再说一下,我做平面设计跟艺术最大的差别,就在于艺术是展现个人的魅力,而我所从事的设计工作是人类共有的感觉。把这些共性通过一种可视的方式手段表现出来。我也想通过这次在北京的展览,把关于人类共通的创想这一点让很多的同业和观众体会,这也是这次展览会我的目的。

 

 

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视觉中国:我们看原研哉先生的作品,能感受到到您所提倡的回归自然、回归原点,甚至我们能从中得出一种禅意。原研哉先生倡导的设计理念,是不是需要时间和阅历的积淀才能领悟到这一点?中国人经常说年少轻狂,年轻人的想法都是不断要向前冲,原研哉先生提倡回归原点是在年轻时候就有的想法还是后来慢慢产生的?

原研哉:提到禅意,我在自己的设计当中其实并没有掺入所谓禅意这部分东西,但是不管是对于数学家、哲学家、生物学家、建筑师、小说家,或者像我一样的设计师,我们其实是攀登了不同的树,但是到了顶峰的高度看到了一样的风景。我的这棵树就是自己若干年的积累,还有自己从事的工作,最终我看到的风景跟哲学家、数学家等等其他顶尖的人物看到的风景可能是非常近似的,这可能就是所谓的禅意。

      关于第二个问题,就是年轻人都是向着前方去努力奋进,作为我个人年轻时候也确实是只是面向未来,经过了若干年的积累才回到了自己的原点,这可能是人成长中必须经历的一段过程。我们感觉在近二十年来,中国很多的年轻人受到了海外很多文化技术的影响,观念发生了非常大的变化,日本、世界各地的年轻人也是一样。但是我总是在想,是不是经过新的思路或者技术带来的大的变化,等在我们前方的就是幸福?我开始慢慢的去思考这样的问题,中国的历史非常悠久,我不了解两千年中国是什么样,我也不了解二百年以前的日本是什么样,在过去历史的长河之中,有很多我们还未知的领域。慢慢通过自己年龄的增长和阅历的增加,我对过去未知的东西非常兴奋,回顾过去,把过去的很多我们未知的东西挖掘出来,这就是最新的新鲜事物。所以我就一直在过去、现在与未来当中挖掘一些新的东西,融入到自己的作品当中,也希望给年轻一代一些启发。

 

视觉中国:我们都不好意思把自己小时候的照片拿给别人看,会觉得不好意思,那么原研哉先生年轻时候的作品是不是也不希望被别人翻出来看?

原研哉:这样的情况确实有,在这次2011北京的展览当中,我也拿出了很多以前老的作品,比如像二十多年前的作品,当时有帮朋友做的一些书的装订设计,如果各位观众有兴趣,也可以去看一下。


 

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【PART 3】 疯狂、失败、生活习惯……你不知道的原研哉

 

视觉中国:看原研哉先生的作品感觉非常有序、严谨,见到原研哉先生更觉得是个非常温润、有亲和力的人,所以我非常好奇原研哉先生有没有疯狂过?

原研哉:虽然是这个性格,但是应该用一个词来形容,“静静的疯狂”(笑)。在自己设计中有新的想法的时候会很冲动,这是来自内在的冲动。在实际的工作中,会对合作伙伴和部下有非常严格的要求,也经常发火,得到了很多周围的同仁的帮助,因此可以说无论是对于工作还是生活,也有很多疯狂的时候。

 

视觉中国:能不能请您举个例子,您做过最疯狂的事是什么?

原研哉:我的夫人是高中时代的同学,两个人一起度过了28年的岁月,夫人是什么样的性格呢?大家知道日本宝冢是非常有名的歌舞剧团,里面都是女演员,但是有的也扮演男性的角色,非常非常华丽,夫人就是宝冢剧团的粉丝。她非常喜欢艳丽的、华彩的东西,甚至于家里的围裙都非常艳丽,但是我自己的设计非常的素雅、简洁,在仿佛是矛盾的过程中两人很有意思地相处着。所以自己一直以来在生活当中是这样的状态,所以在工作当中每每碰到了跟自己意见分歧的客户的时候,就仿佛自己在家里面对自己夫人一样。这可能算是回答了刚才您的问题。

      跟自己的爱人交流、接触的过程是一种修行。针对某一个具体的设计,如果说自己的太太跟自己意见吻合了,反而觉得没什么意思,失去了某种兴趣,对方拿出一个不同的意见,在吸收或者听取对方意见的过程当中,不断的修正自己的设计或者理念,这个过程非常非常的有意思。在对方与自己不同的观念、立场前提下,慢慢发生新的价值,在这种过程当中感觉到工作和生活也会非常有意义。

 

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现场为我们带来的《设计中的设计》签名


视觉中国:其实原先生给很多人的感觉是比较经典,但是还有点时髦的那种人,您如何理解“前卫”这个词?您的设计会和前卫的元素结合吗?

原研哉:所谓的前卫也好,老派也好,在我实际的工作当中,并没有特别着重考虑过这个问题,因为我总觉得在一个时代当中,通过自己的能力掀起一个潮流是非常好的,自己如果迎合某个潮流或者时代,往往会很快落伍。因此从我自身来讲,更看重的是不断找寻和挖掘自己内心的兴趣,并把这些通过设计展现出来。我觉得设计是要去展现普遍性的东西,因此在自己内心去找寻人类所共有的共性展现出来,不穿挖掘,不断超越自我,这才是是跟的上时代。

 

视觉中国:一直以来中国的设计师对原研哉是怀着敬畏的感情,所以想知道原先生有没有失败过?如果有的话您是如何面对自己这些流产的作品?

原研哉:在我的整个设计历程当中,应该说没有什么特别大的失败,换句话说,平面设计跟艺术还是有区别的,艺术是面向自身的,是自己的感觉或者感性一些东西。但是我所从事的设计工作首先是跟客户进行沟通,找到一个他所要设计的东西,我们针对这个需求会发现很多问题,所谓设计就是发现问题并且解决问题的过程,找到最佳的或者相对比较理想的方案。我的设计过程有一定的计划性和规划性,因此说从开始到最后的整个过程应该是不会产生特别大的错误。如果说没有像自己最初所设想的那样理想,在过程当中有些挫折确实是有的。

    可以举一个例子,有一次我接到一个樱花牌香烟的设计,底部要加入说明性的文字,但是在我设计完成的时候,底部已经放不下说明的文字了,这个应该算是小小的失败。

 

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深泽直人-果汁的肌肤 

 

视觉中国:下一个问题我想满足一下我自己的好奇心,总能看到原研哉先生穿全身黑色的衣服,我想问问原先生有没有其他颜色的衣服,或者您有多少件黑色的衣服?

原研哉:黑色的衣服也不是我对服装有自己独特的想法而非要这么穿。平常工作非常紧张,去买衣服的时间也不是很多,另外自己的身材比较大,适合自己穿的衣服也并不是那么多,因此在日常工作当中,为了方便,所以穿的尽量随便一些,很自然的就形成了黑色的风格。倒是也没有什么特别对服装方面独特的执着。

【PART 4】 朱锷谈策展:展览是在给大家一个梦,一个可能性 

   

视觉中国:能不能跟我们聊聊您这次策展的体会?您是怎样配合原研哉先生为大家呈现一个这样精彩的展览的?

朱锷:因为我自己也是个设计师,看到日本设计和中国设计之间的距离,我常想怎么能让距离变得更小,差距变得更小?面对这样的情况,我想能不能把当下二十一世纪的日本设计师当中最有特点的作品,作为一个事例进行分析。

      作为二十一世纪的代表,原研哉先生是怎么创作的,这二十多年的历程当中是怎样的,最早的作品跟最新作品之间的区别是什么?作为策展人,从做展览的角度来说,一个展览的成立分两个部分,一个部分是给大家展示什么东西;另一部分是怎么给人看。是说这个东西就是这样的你就这么看吧,还是清晰地告诉人家它的附加价值,这非常考验一个设计师的把握能力。原研哉先生对于无印良品这部分的展览,展示了作为一个设计顾问是怎么样在十年的时间跨度里去把控一个企业、视觉统筹和品牌统筹的,这是原先生把设计师、产品、社会这三角关系以一个清晰的视觉形象把握出来,展现了对这个通道的掌控能力。而“展览会的展览会”,展示的是一个设计师除了他有自己的设计能力和在一个长时间的推进过程中的掌控能力之外,他对设计的可能性是怎么样理解的?把整个社会的各个领域的优秀设计师的能力统筹起来。从策展人的角度,这部分是最最希望展现给大家看的,而能够同时把这三个部分做好的,在当今的日本设计界里面,毫不夸张的说只有他。如果大家能够很清晰地仔细再梳理,如果看完之后能够回过来想一想,我相信对大家是有帮助的,这点是我用心的地方。

      所以我在开幕词当中说了一句,这个展览其实是为未来埋下伏笔,现在大家可能不一定弄明白,可能在多少年之后,再回过头想,那个时候有过这么一个展览,那个时候这个点是连到那个部分,我是这样想的。


 

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原研哉、朱锷对话

 

视觉中国:我们了解很多原研哉先生的设计都是通过您的传播,所以我想问一下您对他的评价是怎么样的?

朱锷:我们认识时间太长了,不管他怎么变化,不管年轻时候有激情的他,还是现在慢慢沉稳下来的他,他有一点是根本没有变,甚至说可能越来越有效的、更有办法的地方就是:统筹,计划。他不会很冲动的去做一件事,他一步一步会规划的很好,而且他会随时关注各个领域,看起来跟自己完全没有关系的事情,看大家在思考什么,然后把那部分东西融到自己的世界里面来,从设计的角度重新去解释它,这点是他非常非常有特点的地方。

   

视觉中国:原研哉先生接下来还会有什么书籍或作品带给我们吗?

朱锷:这次会出一本专集,里面的内容是一个专项。纵观原先生著作的出版顺序,如果大家能够排一下的话就会发现他是个非常理性的人。当他在考虑设计,首先诞生《设计中的设计》,但是觉得那个还是有些浅显,于是将一个案例一个案例抽出来,更加详细的进行阐述。这次还有我们做了通心粉的案例,大家可以看到那时候他是怎么想的,他思考的碎片是什么,这些东西跟他成熟的东西放在一起看,参差比对着理解就会比较有意思。

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视觉中国:有一个稍微敏感的问题,日本地震是件非常悲痛的事情,但是很多中国设计师说这对中国设计是个机会,这段时间日本设计或许也会受到地震的影响,所以中国设计可以借这个机会追赶一下。

朱锷:这好象没有直接关系,昨天我们在聊天的时候他告诉我,日本政府对地震的反应反映非常快,已经在开会讨论震前的政府和震后的政府国际形象了。震前日本是漫画、卡哇伊的形象,震后还应该是这样的形象吗?他们已经在考虑这个问题了,可能在不远的将来,他们会有新的设计形象出来,考虑的内容跟反映的速度是很快的,而且进入的层面也不太一样了。
   

视觉中国:通过这个展览,你想向中国的设计师传达什么?

朱锷:通过这个展览我想告诉大家,为什么全世界的设计师都愿意到中国来,因为中国有机会、有活力、有各种各样的可能性。当全世界的人都看到了可能性的时候,为什么我们自己不更加主动地去抓住这些可能性?人跟人之间,设计师跟设计师之间,社会和社会之间,国家和国家之间都是PK的过程,随时随刻都在 PK,我们设计师应该具有了亮剑的精神。我在承报这次展览的时候,跟主办展览的机构和原先生沟通,为什么花三年时间去筹那么大的资金,整个展览下来是670多万,这是不可想象的。一路磕磕碰碰的走过来,就是希望让大家看到这个展览之后,能有一个梦想,这个梦想是来自于你看到的一种创作的可能性,尤其是一层的“展览会的展览会”,里面拿过来的其实不是真正的完成的设计品,而是原先生给日本的创意人员出一个题目,我们一起来想一想,日本能用一种什么方式把我们的资源统和起来,向世界诉说我们能干什么。把这部分拿过来花了将近两年,对于他们来说,他们更愿意把完成品拿过来,但是这部分东西给大家看了,真的希望大家能够从中感受到它的可能性,创意是这样子的,创意是通过这样的方式转成了生产力,你首先要有一个想法,有了想法之后转到创意的过程当中去,之后再把它引导到可以转换成生产力的轨道上去,这些可能性在底下,希望大家看到这个之后能做梦。原先生是在给大家一个梦,一个可能性。

原研哉:这个展可能不是很帅或者很酷,但是会给你很多新的创想。

朱锷:关于怎么呈现给大家看,譬如一本书,你放在这就完了,为什么要做一个台子,而且上面只露出一个毫米?为什么你放上去之后,底下要开个眼,放一条丝带,书放进去之后用这个丝带一拉把这书提拿起来。在这个过程当中,你体会到的是什么?你给大家只是看到这个东西,还是看到这个动作整个的过程?展览是二次创造的过程,只把一个东西放在那是没有意义的,但是如果他把怎么看这个过程也全部都设定好了,这是再次设计。

    其实这个部分花了非常多的钱,就是很多志愿者在做的过程中都快做哭了,为什么还是做,为什么中国的设计拿出去展的时候大家觉得有点土?不是说我们做不到,不是我们做不好,而是你的要求到什么程度,你要展现给大家看的程度是什么?这是一个非常非常关键的,这个是这次展览想传达给大家很重要的一部分。真心地希望大家能用用心体会这个展览,绝对会受益匪浅。

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